アレックス・カッツ

アレックス・カッツ

アレックス・カッツはアメリカ、ニューヨーク・ブルックリン出身の画家で、美術評論家のローレンス・アロウェイらが定義付けを行い、ウォーホルやリキテンシュタインを輩出したポップアート運動に参加した画家の一人として知られています。

アレックス・カッツの評価

さらりと書かれているのに飽きさせず、印象深い人物画のカッツの絵は「Essential Painting」（2006、大阪、国立国際美術館）という現代美術の絵画に特化した展覧会で日本にも紹介され複製版画の販売も活発化したため、現代アートファンなら「どこかで見たことがある」というレベルまで認知度を上げてきています。

カッツの絵はどこか物足りなく見えることもありますが、最小限の要素によって最大限の表現を打ち出し、見る側が自由に想像できるように描かれているため、絵が飾られた部屋の雰囲気をより親しみやすくします。都会的なアレックス・カッツの絵や版画を買取っておりますので、ぜひお問い合わせください。

1950年代以降、カッツは美術家としての成長・成熟を止めることなく「不変の絵画表現」について周囲が考えられる以上の水準を追求し、自由な創作を続けてきました。その幅は絵画・版画のみならず、ファッション雑誌ハーパース・バザーとの1962年のコラボレーションや、ダンサーのポール・テイラーを描いたシリーズ、ニューヨーク州のハーレム駅構内など複数の公共アートまで広がり、ニューヨーカーのイメージを代弁するような存在となっています。

アレックス・カッツとニューヨーク

カッツの一家は1928年、不景気の波乱のなかでクイーンズ地区のセント・オールバンス（St. Albans）に引っ越しました。クィーンズ地区は21世紀に入ってからマンハッタンに近いほどニューヨークでも高級地区、ビジネス街化がすすんでいますが、人口の約半数は移民の人々で構成されている地域です。クィーンズ地区はマンハッタンから押し出された移民たちが作ってきたという歴史があり、ウィリアムバーグのユダヤ人社会、ベンソンハーストのイタリア人社会、スタイブサントの黒人社会などが独自の民族社会を形成していた背景のなか、都会っ子のアレックス・カッツは「サラダボウル」に例えられるニューヨークの多元的な文化風土で、二度の世界大戦を経験しながら成長しました。

アレックス・カッツの経歴

カッツは1946年から1949年にかけてニューヨークのクーパー・ユニオン（Cooper Union）で絵画のトレーニングをした後、1949年から1950年にかけてメイン州スカウヒーガンにあるスカウヒーガン絵画彫刻学校（Skowhegan School of Painting and Sculpture）に学び、表現を洗練させました。

1954年、カッツの最初の絵画展がニューヨークのロコ・ギャラリーで催されました。

1974年、ホイットニー美術館は「Alex Katz Prints」展を開き、版画の作品を発表します。カッツ自身は50年代から60年代までの画家生活はじめの十年間は創作する中で禅問答を繰り返すようなこともあったようで、1000点以上もの自らの絵を破棄したことをみとめています。1980年にはクーパー・ユニオンセント・ゴーデンス芸術賞を受賞し、平面彫刻にも表現の幅を広げました。

1954年以降メイン州リンカンヴィル（Lincolnville, Maine）のサマーレジデンス（夏期講座）での教育・研究活動において地元のコルビー大学との関係を深めてきたカッツに、コルビー大学側は1984年、名誉博士号を授与しました。1986年にはホイットニー美術館でアレックス・カッツ回顧展が巡回されて話題となり、1992年にはコルビー大学美術館で個展が開かれました。

1994年、カッツの学び舎であったクーパー・ユニオン美術学校は、カッツ自身が寄贈した絵を売却して得た基金と共に「Alex Katz Visiting Chair in Painting」という作品を作りました。基金は若いアーティストの育成や文化の振興の為に活用されています。

1996年10月、コルビー大学美術館はカッツからの作品寄贈を記念して400点以上の油絵、コラージュ、版画をおさめた新棟をオープンさせました。

2007年、カッツの作品展がシカゴのリチャード・グレイ・ギャラリー、ニューヨークのロバート・ミラー・ギャラリーとペース・ウイルデンスタイン（ギャラリー）で催されました。

アレックス・カッツの著作と所蔵美術館

• 著書：『Alex Katz』 ファイドン・プレス（Phaidon Press）2005年　Carter Ratcliff、Robert Storr、Iwona Blazwick共著

• 所蔵：コルビー大学美術館　テート・モダン（TATE　MODERN）ニューヨーク近代美術館（MOMA)

 ※業者向け原稿です。

※参考文献あり。画像、サジェスト文面を削除しています。

ベルナール・パリッシーとルネサンス

ベルナール・パリッシーとルネサンス

 

ベルナール・パリッシー（1510～90）はフランスの陶芸史上では最も重要な人物の一人です。 日本の陶芸に対しては、宮川香山の眞葛焼におけるリアルな動植物の触感の表現や柿右衛門の伝説に影響を与えました。左の写真のパリッシーの作品は魚もすべて陶器でできています。

 

レオナルド・ダ・ヴィンチしかり、ルネサンス期の歴史人物は多才な好奇心の塊だと感じさせます。力強く勤勉な努力家、果敢にたくさんの物事を成し遂げてしまう点が際立ちます。パリッシーは陶工にとどまらず、測量技師、鉱物学者、ガラス職人、地質学者、そして宗教活動家といった様々な側面を持っておりました。パリッシーはルーブル美術館やメトロポリタン美術館に所蔵があり、美術館の公式データベース上でもっとも重要な作品の情報があります。探されると写真を見られるのでお勧めです。

 

蝶、昆虫、爬虫類、両生類、魚類、植物、小石や川の水のギラっとした触感や、磯にへばりつく藤壺や川のタニシのような貝類のディティールそのものを見事に再現しています。経年による釉薬の酸化が玉虫色のような唯一無二の照りを作品に与えているといいます。

 

 

現代にバルボティーヌ（別名をマジョリカという。やわらかく凹凸のある陶器）として引き継がれている陶器の起源だとされている、パリッシーの「田舎風陶器」 右の写真のような大皿やピッチャーに、生き生きとした農村の人物のレリーフの作品や、中央で蛇がとぐろをまき、イグアナやトカゲが縦横無尽に施されているという意匠と技巧が遺されています。

 

 

美術館の展示空間においても、パリッシーの器が展示される際に適切な照明が当てられたならば、どれほど艶めかしい表情を見せるのでしょうか。パリッシーの陶器作りへの芸術的な技巧への情熱がこもっています。

 

パリッシーの作品からは、蛇などが苦手な方にはギョッとされるほどのリアリティがあり、右の写真からもその勢いが伝わります。

 

パリッシーと柿右衛門伝説の由来について

 

1500年代、ルネサンス期のキリスト教プロテスタント（当時としては新宗教であり、フランスでは特にキリスト教の宗教論争の的でした）の信徒であったパリッシーは、カトリックへの改宗か国外亡命を迫られます。そして彼にチュルイリー宮殿内に工房を与えたうえで擁護者であったという王妃のカトリーヌ・ド・メディシスがバスティーユ牢獄に投獄されてしまい獄死するという悲惨な出来事にも直面しました。

異彩をはなったという点で、世間の非難や批判を受けつづけるような試練にも耐えました。貧窮の中、独力で様々な色の釉薬を生み出し、ついには牢獄で信仰に殉じたパリッシーの献忍不抜の生涯は、日本においては明治初年の大ベストセラー『西国立志編』（さいこくりっしへん）として出版されました。

原作はサミュエル・スマイルズ作「自助論」であり、現代ではすっかり簡略化された形で自己啓発の書として親しまれているものです。同書ではマイセンのベドガーとジョサイア・ウェッジウッド、パリッシーを三大陶工として紹介しています。

宮川香山、柿右衛門が生きた明治期の日本人の間で、この本はベストセラーとなりました。

 

フランス文学者の渡辺一夫は、『フランス・ルネサンスの人々』岩波文庫「ある陶工の話」p.87のなかで 『パリッシーは、神学や哲学を論じはしませんでしたが、正しいものと信じたればこそ、いずれ新教（プロテスタント）を奉ずるに至るのでしょうし、他人ができる以上自分にもできるはずと考えたればこそ、あらゆる苦心をして陶器の製作に従事し成功したのでしょう。間違いだらけの自然科学的知識が横行しているのはいけないと考えたからこそ、有名な公開講演も行うことになったのでしょう。そしてその一筋の道の果てには牢死があったのでした。無辜の民とはこういう人だけに与えられる名称にしてほしいものです。』と論じています。「自助論」には窯を炊く燃料にも窮したパリッシーが、ついには家具や棚板までも燃やしてしまい、妻子を驚愕させたという逸話が記されております。柿の色を出すために苦労を重ね、燃えるものを手当たり次第に窯に投じた日本の「柿右衛門伝説」はこの伝記が由来しているのではないかと言われています。

 

確かな査定の為、作家名の漢字をくわしくお聞きし、作品に関してきめ細かな質問と確認を心がけております。

（参考：ヨーロッパ陶磁のみかた　大平雅巳　東京美術）

 

※サジェスト文は必要に応じて調整可能。画像削除、文章を一部改変しています。

 ※参考文献あり

モーニングジュエリー

モーニングジュエリー

mourning jewelry ：哀悼のジュエリーという意味です

喪に服している最中に身に着けるジュエリーです。イギリスにおけるヴィクトリア時代、故人への哀悼と忠誠を示すためにアルバート公（1861年没）を喪ったヴィクトリア女王が着用したことから、イギリス中で流行しました。

喪に服すことは当時のイギリス社会では現代以上に重要なことであるとされ、喪に服す一定の期間の毎日の衣服はドレスから細かな装身具まで、全身を黒で統一した服装で過ごすことが常識とされていたためにジュエリーのデザインにもこうしたルールが適用されました。「喪中」ということで使ってよい色彩が少ない分、故人の髪の毛の加工にはたいへん緻密な技巧を凝らしたものや故人の髪の毛の色の美しさを最大限に引き出した細工のジュエリーが多くみられ、これが髪の毛だということがほとんどわからないほどの緊張感から美が醸し出されています。画像のブローチは糊で故人の白髪を紙のように薄く平たく固めたパーツを切り絵のように貼って勿忘草の形に仕上げた作品です。もとの注文主の故人への深い想いや、生前深く恋慕された故人だったのではないかと思わせる深みをもったモーニングジュエリーです。

モーニングジュエリー　種類

 

1. 故人の髪の毛を編んだ部品が組まれたブローチ
2. 故人への哀悼の意を表現する文章があしらわれたロケット
3. 二重、三重の部品が組み合わさりモチーフ部分に故人の髪の毛を入れたり、巻き付けたりしてしまうことができる仕掛けや隠しロケットのある指輪
4. 化石や古い流木が時を経て変化し、黒く変色した「ジェット」という素材を使ったアクセサリー

貴族やブルジョワ：中流階級の一般国民を中心に流行しました。

喪と追悼のセンチメンタルジュエリー

センチメンタルジュエリーと呼ばれるジュエリーの中にも死を意味するモチーフとして墓・骨壺・シダレヤナギ・ドクロなどがモチーフとされました。木や象牙に彫られるか描かれるかした肖像に死者の名前と死亡日が付記されることや、ロケットの中に故人への追悼文と故人の写真が仕舞われたジュエリーも作られ、当時の人々が身に着けていました。

※サジェスト文は必要に応じて調整可能。画像削除、文章を一部改変しています。

 ※参考文献あり